Глава 8. Искусство

Разберем модель пяти сценариев применительно к такой области деятельности, как искусство.

Для начала определим цель данной деятельности. Целью искусства можно считать создание объектов искусства, которые передают эмоции зрителям.

Уже это определение способно многое нам дать. Очевидно, что образы, составляющие основу объектов искусства, могут быть знакомыми публике или незнакомыми, необычными. В первом случае идею будет легче понять; во втором – сложнее. Если данные образы привязаны к текущему историческому моменту, то через некоторое время они станут непонятными и, возможно, ненужными; однако сейчас они вызовут большой резонанс.

Таким образом можно охарактеризовать, например, ряд акций в области искусства, посвященных локальным социальным или политическим событиям – например, в то время, когда я пишу эти строки, многие деятели искусства муссируют вопросы, связанные с оппозиционными митингами в Москве.

С другой стороны, человек искусства может оперировать не очень понятными широкой публике формами, которые, тем не менее, будут передавать те или иные глубокие эмоции. Такое искусство может быть не понято при жизни творца, однако быть высоко оценено позже. Такова, как мы знаем, судьба многих великих художников и композиторов⁴⁸.

Условно разобьем искусство на два данных вида деятельности: искусство-продвижение и искусство-созидание. В идеале творец должен заниматься обеими – как исследовать и создавать объекты, передающие глубокие эмоции в рамках искусства-созидания, так и умело доносить их до современной публики, используя широко распространенные, резонирующие образы, уметь договариваться с современными людьми в рамках искусства-продвижения⁴⁹.

Далее по ходу главы мы в основном будем говорить об искусстве-созидании, считая, что все-таки выражение глубоких эмоций является основной задачей искусства; тем не менее мы еще раз вернемся к искусству-продвижению в конце данной главы.

Итак, основной смысл искусства лежит в идее донесения видения художника через эмоции – и в этом смысле искусство чем-то похоже на любовь, прекрасную именно своими эмоциональными состояниями. Как следствие, творцу крайне сложно сфокусироваться на рационализации, отработке техники выражения эмоций – подобного рода «ремесленничество», как ему кажется, убивает основную цель искусства.

Как всегда, наш творец начинает с позиции «Наивного оптимиста». Как правило, в этот момент человек чувствует большое воодушевление от чьей-то картины/музыки/другой формы искусства – он всем телом и душой чувствует, какие эмоции хотел передать ее создатель. И… он начинает творить, создавая произведение за произведением⁵⁰.

Тем не менее, его произведения не встречают отклика у публики, у близких друзей, да и сам художник, если обладает достаточно критическим взглядом на творчество, понимает, что созданное им произведение гораздо ниже уровнем чем то, чем он восхищается. Итак, по окончанию создания произведения художник чаще всего попадает в состояние «Неудачника». Затем он задумывает новое произведение… с которым позднее произойдет то же самое. Наш творец попадает в типичные мифологические качели – от надежды выразить свои эмоции в начале цикла работы к неудачному результату в конце.

Как отмечают Д. Бейлс и Т. Орланд в своей книге «Искусство и страх», представители всех профессий периодически сталкиваются с проблемами – но только творец может в определенный момент бросить творчество – как правило, это момент окончания цикла, когда мифологические качели находятся в точке неудачи, а с трудом созданное произведение не нашло своего зрителя. Они озвучивают это так:

В основном, продолжают заниматься искусством те, кто научился «продолжать», или, точнее, научился «не-бросать».

Любопытно, что хотя у художников всегда есть мириады причин оставить свою работы, они тем не менее выбирают для этого некие особые моменты. Художники бросают, когда уверяются в том, что их следующее творение обречено на провал. И еще художники бросают, когда теряют цель своей работы.

Практически все деятели искусства проходят через это.
…
Вы раскручиваете идею, и тут она перестает работать, вы откладываете кисть… и через тридцать лет признаетесь кому-то за чашкой кофе, что да, хотел рисовать, когда был гораздо моложе⁵¹.

Об этой книге вообще хочется сказать отдельно, поскольку посвящена она именно страху (в искусстве), а именно страх (мифологический) является причиной того, что нам крайне сложно дается рационализация и вторичная мифологизация. Говоря о страхе, авторы развенчивают типичные мифы о творчестве – которые, собственно, к страху и приводят. Вот типичные примеры:

• Здравомыслящего человека вполне удовлетворяет тот факт, что лучшее, что он смог сделать в данный момент, – это и есть лучшее, что он мог сделать в данный момент. … Подобное благоразумие, к сожалению, встречается нечасто. Творчеству неминуемо сопутствует неприятное ощущение, что между тем, что вы хотели создать и тем, что в итоге получилось, разверзлась пропасть.
• Отношение зрителей – это не ваше отношение (хотя до опасного легко перенять их позицию). Задача зрителя – вдохновляться искусством, развлекаться с его помощью или даже наживаться на нем. Ваша [творца] – научиться работать над своим творческим процессом.
• Практически все художники проводят какое-то время (а некоторые почти все), создавая то, до чего никому нет дела. … В действительности не существует причин, по которым других должно волновать большинство работ какого бы то ни было художника. Назначение основной части ваших произведений – просто научить вас, как создать те несколько, которые превознесут своего автора.

Рационализации в искусстве сопутствует как освоение техники работы с материалом, так и постепенное развитие идей творца. Можно сказать, что первому обучают в соответствующих художественных образовательных учреждениях:

• владение инструментом (ноты, исполнение) – в музыкальных школах
• техника танца – в танцевальных школах
• владение кистью, карандашом, смешиванию красок – в художественных школах и т.д.

Однако, второму – тому, как соотносятся идеи и их выражение, какие этапы проходили эти идеи от задумки до реализации – к сожалению, именно это приходится осваивать самостоятельно. Более того – несмотря на то, что критика, как правило, может неплохо объяснить, почему те или иные произведения гениальны – она ничего не может сказать лично про творца, так как повторение в искусстве не приветствуется. Каждому приходится развивать свои идеи самостоятельно.

Более подробно эту ситуацию мы обсудим в главе «Формальное и неформальное образование», а пока вернемся к проблеме рационализации в искусстве. Рационализации в искусстве соответствует момент, когда творец усвоил то, что было до него – как с точки зрения идей, так и с точки зрения техники. Если он не усвоил технику – возможно, он станет критиком или философом. Если он не усвоил идеи – с высокой вероятностью он может стать ремесленником или вообще бросить творчество – как, например, школьники часто бросают творчество сразу после окончания художественной школы. Техника без идеи мертва и не возбуждает желания работать, а материальных стимулов работать, как это бывает в бизнесе, работе или иногда в науке – их нет.

Итак, предположим, что наш творец стал «Профессионалом», и может создавать работы, в которых не очень много нового, но которые выполнены на довольно высоком профессиональном уровне. Он участвует в выставках (конкурсах), и даже умудряется занимать некое положение в профессиональном обществе. Как будет дальше развиваться его судьба?

Искусство занимает особое место в обществе хотя бы по той причине, что «по умолчанию» занятия им не оплачиваются (в отличие от бизнеса, работы или науки). По этой причине одной из проблем творца в любом случае будет получение прибыли – либо от своих занятий, либо от сторонней работы, либо – от преподавания. В любом случае следует понимать, что рационализации в творчестве вовсе не сопутствует решение большинства материальных проблем – это остается проблемой. Проблему балансирования разных сторон жизни мы планируем осветить в других исследованиях, а пока лишь отметим, что большую часть жизни творец посвящает заработку денег, напрямую связанному с некоторой рутиной⁵².

В случае, если подобные занятия рутиной начинают «засасывать» творца, и он все меньше и меньше работает над собственными идеями – весьма вероятно, что он перейдет в состояние «Скептика», сделав вывод о том, что «ничто не ново под луной» и отказавшись от притязаний на что-то новое в искусстве. В таком случае чаще всего он становится заслуженным художником (танцором, музыкантом) и все больше и больше времени посвящает административной работе в официальных учреждениях, поскольку в них извечный дефицит членов жюри и преподавателей. Кроме того, скептик вообще очень близок с критиком, так что совершенно неудивительно, что эти группы также во многом пересекаются.

Кроме того, творец может попытаться уйти в другую область искусства – смежную или не очень – например, много художников в наше время занимаются арт-инсталляциями – смешением нескольких областей искусства для создания определенного впечатления. К сожалению, сделать что-то новое в этой области легко, но вот сделать что-то понятное – куда как сложнее (и наоборот – в этой же сфере можно делать что-то понятное, но далеко не новое). Таков, в общих чертах, сценарий смещения в искусстве, при условии, что творец не будет выходить за рамки области искусства.

В общем и целом, на этапе рационализации творец сталкивается с тем же, с чем сталкивались миллионы людей до него – а именно, вопросом: «Что нового я могу донести до человечества?». Типичной ловушкой, в которую попадаются множество художников в наше время, можно охарактеризовать как ловушку постмодерна – ощущение, что все фундаментальные смыслы и концепции были уже освещены прошлыми поколениями, а мы можем создавать, лишь комбинируя то, что уже известно. Собственно, современное искусство почти полностью состоит из цитирования, автоцитирования и отсылок к общеизвестным образам и сюжетам.

Выход из ловушки постмодерна – в разработке и реализации собственных идей с общечеловеческих позиций, но и с учетом уже имеющегося опыта. У жизни есть колоссальное множество сторон, о которых еще не сказал ни один художник. Кроме того, крайне мало сказано о возможностях человека, о силе его духа – за эту тему в наше сложное время почти никто не берется.

Художнику необходимо стать немного ученым (хотя это и сложно), и начать затрагивать общечеловеческие темы – именно в них он может стать «Мудрым оптимистом», и успешно достичь вторичной мифологизации.

Рабочая пометка. Возможно, здесь будет добавлен текст об искусстве-создании и искусстве-продвижении.